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Galerie Ernst Hilger at artparis AbuDhabi

Emirates Palace, West Corniche Road
Abu Dhabi, United Arab Emirates GRB 104
Booth B43

GALERIE HILGER
 
18.11. - 21.11.2008



Exhibition dates, Opening hours
Preview: November 17th, from 6 pm to 11 pm Opening Hours: November 18th to 21st, from 3 pm to 10 pm
Nikolaus Moser, O.T., Öl auf Leinwand, je 40x40 cm

John Gerrard, Animated Scene (Red Oil Pump) 2008, Realtime 3D

Animated Scene (Red Oil Pump) – Bewegte Szene (Rote Oelpumpe) – ist eine neue Arbeit von John Gerrard, mit der der Kuenstler seine laufende Erforschung der Beziehung zu Sonne und Energie in allgemeinerer Form fortsetzt. Das Werk beruht auf einer Szene, die der Kuenstler vor kurzem auf einer Reise durch Colorado, USA, beobachtet hat. So wie es den Usancen des Kuenstlers entspricht, wurde die gesamte Szene fotografisch dokumentiert und alle ihre Elemente wurden virtuell rekonstruiert. Dieses Tableau wurde dann animiert und in den Kontext eines ganzen Jahres gestellt. Es eroeffnet sich dem Betrachter in der genauen Chronologie des urspruenglichen Ortes. So wie bei einer aehnlichen Arbeit Animated Scene (Oil Field) – Bewegte Szene (Oelfeld), wurde die ursprünglichen Anordnung der Szene adaptiert: die Pumpe schaut nach Westen, in Richtung des Sonnenaufgangs am Beginn jedes Tages.

Animated Scene (Red Oil Pump), a new work by John Gerrard, continues the artists ongoing investigation into man’s relationship to the sun and energy more generally. The work is based on a scene witnessed by the artist on a recent journey across Colorado, USA. In accordance with the artist‘s practice, the entire scene was documented photographically and all elements reconstructed virtually. This tableau was then animated and sited within the context of one single year which unfolds according to the exact chronology of the original location. As in the related work Animated Scene (Oil Field) the scene has been adapted from its original position so that the Pump faces west, towards the rising sun at the beginning of each day.

Josef Felix Mueller, Waldstueck III, 2004, acrylic on canvas, 135x185 cm

Josef Felix Mueller setzt sich seit Beginn seiner Kuenstlerkarriere mit der Natur des Menschen auseinander. Waren in den Anfängen Zeichnung, Skulptur und Druckgrafik neben der Malerei Mittel um die „Befindlichkeiten der Menschen, die oft in ritualisierten Bildfindungen muendeten“ darzustellen, konzentrierte sich der Kuenstler jedoch ab der Jahrtausendwende hauptsaechlich auf „das malerische Rekonstruieren von Natur“.(zitiert nach „Der uebergeordnete Koerper“, Josef Felix Mueller, Sept. 2007) Simon Bauer, Kunsthistoriker und Kurator, beschreibt Josef Felix Muellers Schaffen folgendermassen - „Gegenständlich war Josef Felix Muellers Malerei schon immer, in den letzten Jahren hat sie sich zunehmend zum Naturalismus entwickelt, ein Begriff den die Kunstkritik nicht zweifelsfrei verwendet, der durch die bedenkenswerte oekologische Situation aber wieder mit neuen Bedeutungen besetzt wird. Wenn ich Naturalismus sage, so meine ich weder das fotorealistische Kopieren eines Naturerlebnis noch das vertraeumte Verklaeren eines Gefühls, ich denke vielmehr an jene Art von Malerei, die sich mit dem Pleinair und der Schule von Barbizon – an deren Entwicklung uebrigens auch die fruehe Fotografie einen entscheidenden Anteil hatte – verbinden lassen, zwei Begriffe, die bis heute nichts von ihrem magischen Klang verloren haben. Mit ihnen verbinden sich die Abwendung von der Tradition, unkonventionelle Farbverwendung und damit neuer Gefuehlsausdruck. Manet hat dies mit dem Déjeuner sur l’herbe bis zum Aeußersten ausgereizt.

Josef Felix Mueller has been grappling with the question of human nature ever since the beginnings of his career as an artist. At the start, not only painting but also drawing, sculpture and printed graphics were the means to express the “states of human beings, which often converge into ritualised images”. However, since the turn of the millennium, the artist has concentrated mainly on “the painterly reconstruction of nature” (cit. “Der uebergeordnete Koerper” [Superordinate Body], Josef Felix Mueller, Sept. 2007). Simon Bauer, art historian and curator, describes Josef Felix Mueller’s work as follows - “Josef Felix Mueller’s painting was always representational; in recent years, it has developed increasingly in the direction of naturalism, a term employed by art criticism with some equivocation, but, owing to the alarming ecological situation, is once more being loaded with new significance and meanings. When I say naturalism, I mean neither the photo-realistic copying of an experience of nature, nor the dream-like transfiguration of a feeling. I’m thinking far more of the type of painting associated with plein air and the Barbizon school – early photography had a decisive part to play in its development, by the way – two concepts that have never lost anything of their original magical resonance. They encompass the turning away from tradition, the use of unconventional colour and thus a new expression of feeling. Manet exhausted this to the uttermost with Déjeuner sur l’herbe.”

Sara Rahbar, Flag #22, 2008, textiles, mixed media, 200x85 cm

Sara Rahbar wurde 1976 im Iran geboren. Ihr Land wegen einer Revolution verlassen zu muessen, hinterließ grosse Wut und Verwirrung, die sich in ihren Werken widerspiegelt. Heute hat Rahbar einen Weg gefunden, um ihre Erfahrungen und Erlebnisse zu nuetzen um die Welt durch ihre Kunst zu veraendern. Ihre Arbeiten sind Spiegelbild ihres Lebens, ihrer geographischen Verwurzelung, ihrer Geschichte, ihrer Gegenwart, ihrer Vergangenheit, ihres Umfelds und ihrer Erinnerungen. Ihr Ziel ist, eine andere Perspektive zu zeigen und aufzuklaeren. Eigentlich ist Rahbar gegen Flaggen, weil sie Menschen auseinandertreiben, sie heben Unterschiede hervor. Rahbar haelt nichts von den Grenzen, die durch eine Flagge, eine Nation oder eine Religion auferlegt werden. Die Kuenstlerin lebt und arbeitet in New York.

Sara Rahbar was born in Teheran, Iran in 1976. But both the revolution in Iran and the start of the Iran Iraq war forced her to escape her birthplace. She had no choice but to leave family behind and abandon her home. This was so much to digest at such a young age that it only resulted by leaving a void in her. Ironically, it was these series of events that would forever change and shape Rahbar into the artist and humanitarian she is today. Today, Rahbar has found a way to harness her experiences and life journeys in effort to educate and transform the world through her alluring works of art. Her work was part of the exhibition “On a clear day you can see forever” at Hilger contemporary in Vienna (from June 24th, 2008 until August 1st, 2008). The artist lives and works in New York.

Allen Jones, Red Head, 1989, stainless-steal, painted, edition of 3, 64,5x87x49,50 cm

Allen Jones zaehlt zu den großen Legenden der Pop Art. Mit David Hockney, Ronald B. Kitaj oder Richard Hamilton begruendete Jones die britische Pop Art, eine Bewegung, die so wie ihr US-amerikanisches Pendant die Alltags- und Konsumwelt in den hehren Tempel der Kunst Einzug halten ließ. Mitte der 1960er Jahre tauchen erstmals Fetischsujets wie High-Heels, Latexbekleidung oder schlanke Damenbeine auf. Allen Jones hat sich seither Sex und Eros in seiner Malerei, Plastik und Grafik verschrieben. Zur Hochbluete der Pop Art definierte Jones den weiblichen Koerper und seine sexuell besetzten Fragmente und Fetische in einer deskriptiven realistischen Ausformulierung: Keine schemenhafte Flachheit der verfuehrerischen Figuren wie bei Lichtenstein oder Wesselmann, sondern koerperliche, ja zum Teil haptische Praesenz bei Jones.

Allen Jones is one of the great legends of the history of pop art. Along with David Hockney, Ronald B. Kitaj, Richard Hamilton and so forth, Jones founded British pop art, a movement which like its American counterpart allowed the everyday world of the consumer society to take its place in the exalted temple of art. In the mid-sixties we see the first appearances of such fetish motifs as high-heels, latex clothing and slender female legs. Ever since, Allen Jones has resourced his painting, sculpture and graphic works through sex and eroticism. Jones defined the female body and his sexually loaded fragments and fetishes as the crowning glory of pop art, interpreted in a descriptively realist manner of formulation: Jones eschews schematic flatness of the seductive figures as in Lichtenstein or Wesselmann, but emphasises a physical, indeed in part haptic presence.

Andy Warhol, Doda Voridis, 1977, acrylic and silkscreen on canvas, 65 x 65 cm

Andy Warhol wurde 1928 als Andrew Warhola in Pittsburgh, Pennsylvania, geboren. 1945 begann er am Carnegie Institute of Technology (heute: Carnegie Mellon University) zu studieren und besuchte einen Lehrgang für Bildgestaltung. Nach dem Studienabschluss übersiedelte Warhol nach New York, wo er laufend Auftraege als Werbegrafiker bekam. Er machte Illustrationen für zahlreiche Zeitschriften, schuf Werbematerial und Auslagendekorationen für bekannte Kaufhaeuser. In 1950iger Jahren war Warhol eine erfolgreicher Gebrauchsgrafiker. Er gewann zahlreiche Preise des Art Directors' Club und des American Institute of Graphic Arts. Zu jener Zeit verkuerzte er seinen Namen auf "Warhol". Die Sechzigerjahre waren ein besonders produktives Jahrzehnt für Warhol. Er griff Bilder aus der Populaerkultur auf und schuf zahlreiche Werke, die zu Ikonen der Kunst des 20. Jahrhunderts geworden sind, wie die Suppenkonserven für Campbell, Disasters und die Serie von Marilyn-Bildern. Andy Warhol starb am 22. Februar 1987. Das Andy Warhol Museum wurde im Mai 1994 in Pittsburgh, Pennsylvania, eroeffnet.

Andy Warhol was born Andrew Warhola in Pittsburgh, Pennsylvania, in 1928. In 1945 he entered the Carnegie Institute of Technology (now Carnegie Mellon University) where he majored in pictorial design. Upon graduation, Warhol moved to New York where he found steady work as a commercial artist. Throughout the 1950s, Warhol enjoyed a successful career as a commercial artist, winning several commendations from the Art Director's Club and the American Institute of Graphic Arts. In these early years, he shortened his name to "Warhol". The 1960s was an extremely prolific decade for Warhol. Appropriating images from popular culture, Warhol created many paintings that remain icons of 20th-century art, such as the Campbell's Soup Cans, Disasters and Marilyns. At the start of the 1970s, Warhol began publishing Interview magazine and renewed his focus on painting. Andy Warhol died February 22, 1987.The Andy Warhol Museum opened in Pittsburgh, Pennsylvania, in May 1994.

Nikolaus Moser, untitled, 2003, oil on canvas, 85x65 cm

Die Arbeiten Nikolaus Mosers, die sich keiner Gruppierung zuordnen lassen, sind Hymnen an die Farbe. Es stellt sich fuer den Betrachter die Frage, ob die Bilder abstrakte Malerei oder konkrete Abstraktion sind. Der Maler bestimmt selbst immer wieder den Umgang mit der Malerei neu. Moser bedient sich keiner dem Werk voraus gehenden Definitionen, sondern laesst das Werk von innen heraus entstehen. Es bedarf keiner Erklaerung. Somit entsteht kein Deutungshorizont auf einer Metaebene. Die Bilder entstehen nicht zufaellig. Nikolaus Moser ist ein Gestalter. Er und es stellt sich jedoch die Frage, wann ist der Punkt gekommen ist, an dem das Bild fertig ist.

The works of Nikolaus Moser cannot be classified. They are hymns to colour. The beholder must only puzzle over whether the pictures are abstract painting or concrete abstraction. The painter repeatedly determines for himself a new approach to painting. Moser does not make use of any definitions preceding the work, but lets the work evolve from within. It needs no explanation. This means that there is no horizon of interpretation appearing on a meta-level. The pictures are not created by chance. Nikolaus Moser is an artist of intelligent design. But he and it pose the question as to when the point has arrived at which the picture is finished.