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artparis

Booth G 10
Grand Palais
Avenue Winston Churchill 75 008 Paris

GALERIE HILGER
 
03.04. - 07.04.2008

Daily from 11 am to 9 pm


Li Luming (geb. 1956 in Shaoyang, Provinz Hunan, China) schafft grau-in-grau und fast monochrom anmutende Bilder, auf welchen er die Zeit zwischen 1965 und 1975 Revue passieren laesst; er dokumentiert Menschen, ihre Arbeit, ihr Privates waehrend der Kulturrevolution. Die formale wie inhaltliche Analogie zu Gerhard Richters Baader-Meinhof-Zyklus: 18. Oktober 1977 aus dem Jahr 1988 waehlte der Kuenstler bewusst. Denn auch für Li Luming sind die Bilder der Kulturrevolution Anlass ueber Ideologie, Erinnerung und das Scheitern von Illusionen nachzudenken. Er verwendet wie Richter vorgefundene Schwarz-Weiß-Photographien als Material, uebertraegt diese in die Malerei, verwischt sie; oftmals handelt es sich um chinesische icons, und enthaelt sich – im Gegensatz zur naechsten Generation chinesischer Maler, den Zynischen Realisten– eines Kommentars. So werden die Bilder selbst zum Kommentar in einer Situation a-historischer Rezeption des Eigenen in China.

Li Luming (b. 1956 in Shaoyang, Provinz Hunan, China) returns to the years 1965 to 1975 in his grey-on-grey, virtually monochrome paintings and documents people, their work, and their private lives during the Cultural Revolution. The artist consciously makes reference to the form and content of Gerhard Richter’s Baader-Meinhof Cycle: 18. Oktober 1977, created in 1988. Similarly, to Li Luming representations of the Cultural Revolution serve as a starting point for thinking about ideology, memory and the shattering of illusion. He too, transfers extant black-and-white photographs into the medium of oil painting, blurring them in the process. Often, his subjects are Chinese icons. However, Li Luming, like Gerhard Richter and in contrast to the following generation of Chinese artists – the Cynical Realists – abstains from commenting. And so the paintings themselves become comments within the context of an a-historic reception of the own in China.

Malen bezeichnet Erró als das Vergnuegen, widersprechen und provozieren zu koennen. Aus medialem Abfall baut er seine Montagebilder, in denen sich Konsumwelt und Kunstgeschichte, politische Propaganda und Dokumentarfotografie immer aufs Neue mischen. Die islaendische Heimat konnte Erró nicht zum Romantiker machen. Der Buergerschreck kaempft mit Witz gegen das Grauen.

Erró regards painting as the pleasure of being able to talk back and provoke. He assembles his collages from media waste, creating ever new mixtures of the world of consumption and art history, of political propaganda and documentary photographs. His home-country Iceland did not turn Erró into a romanticist. By provoking ordinary people, he uses his sense of humor to fight against all horrors.

Eduard Angeli entrueckt die Werke auf die zeitlose Ebene aeusserster Sachlichkeit. Zugleich erklaeren scharf umrissene Gebaeudekanten neben diffusen Haeuserwinkeln diese metaphysischen Buehnenstuecke durchaus widerspruechlich zu einem Erbe der Romantik. […] Angeli rueckt nahe an die horizontal, breit hingelagerten Motive heran. Der Bildausschnitt ist meist kleiner als das natuerliche Gesichtsfeld des Kuenstlers. Daher sind die Gebaeude so oft an den Raendern angeschnitten. Die Hauptfassade ist bildparallel in starrer Frontalitaet positioniert, nur selten fuehren ein kleiner Vorplatz oder flankierende Nebengebaeude in den seichten Buehnenraum hinein. Die Buehne zu betreten ist unmoeglich, obwohl die Zeichnungen suggestiv sind und das Ambiente glaubwuerdig inszeniert wurde. Dennoch sind diese Ansichten, sowie intensive Traeume, von einer erschreckenden Wahrheit. Nie gesehen und nie begangen sind die Symbolfiguren des Verlassen-Seins und der existentiellen Einsamkeit: Stellvertreter jener letzten Stille, die dem Menschen Bedrohung und Hoffnung zugleich ist. Klaus Albrecht Schroeder

Eduard Angeli places his work on a timeless level with ultimate objectivity. Clear cut edges of buildings adjacent to their diffused angles are simultaneously stating these metaphysical stages as a tribute to the romantic. (...) Angeli creates a close-up of the horizon motif. The display details are partial within the artist's field of view, therefore the buildings are mostly cut. The main facade with its rigidity rarely has a small courtyard and is flanked by adjoining buildings which are reaching toward the narrow vestibule. It is impossible to enter the stage, although the depictions are suggestive and the whole ambience is realistically staged. But these views are like intensive dreams of a scary reality. Never viewed and never committed, they are symbols of abandonment and existential loneliness; representative of a silence that is both threatening and hopeful at the same time.

Andreas Leikauf scheint, wie ein Comicautor, ueber ein bildliches Inventar zu verfuegen, das er einsetzen kann, was sicher auf den anonymisierten Bildstil zurueckzufuehren ist. Mit dem Begriff Trash hat der Kuenstler sicher kein Problem. Trash repliziert alle wichtigen Genres der Hochkultur und parodiert diese auch. Die Potenz der populaeren Kultur – die es natuerlich auch schon vor der Pop-Art gegeben hat – liegt in ihrer Unmittelbarkeit und angeblichen Unartikuliertheit. Seine Bild- Wortkombinationen scheinen Teil eines kollektiven Unbewussten zu sein.

Like an author of comics, Andreas Leikauf seems to have access to and use of an inventory of images, which is surely traced back to the anonymous pictorial style. The idea of trash is certainly no problem for the artist. Trash replicates all major genres of advanced civilization and parodies it, too. The potency of popular culture – which of course also existed before pop art – lies in its directness and supposed inarticulacy. His image-word combinations seem to be part of a collective subconscious.

Oliver Dorfer repraesentiert in der oesterreichischen Gegenwartskunst eine Position, die Traditionen einer motivorientierten Bildsprache der 1980er Jahre mit einer hohen Sensibilitaet fuer optische Systeme aktueller kuenstlerischer Erscheinungsformen verbindet. Er arbeitet an der Spannung zwischen der Allgemeingueltigkeit einfachster Geschichten und der komplexen Verschraenkung von Zeichen in unserer Bild-Medien-Gesellschaft. In seinen neuen Arbeiten formen sich wenige, immer wiederkehrende praegnante Bilderzeichen zu Logos, Icons und Piktogrammen und erzeugen so eine unverwechselbare Bildsprache. Obwohl Oliver Dorfer mit Pinsel und Acryl auf Kunststoffgrund arbeitet, spricht der Kuenstler nicht von Malerei sondern dem Generieren von pics oder visuals und verweist in comic-haft anmutenden Bilderfolgen auf die Erzaehlformen von Comic, Pop und Trash.

Oliver Dorfer presents a position within the Austrian contemporary art, which connects the motif-orientated language of pictures of the 1980th with a high sensibility for optical systems of current artistic forms of appearances. He works on the tension between universal validity of the simplest story and the complex interleave of signs of our pic-media-society. His new works show few recurring motives, which form logos, icons and piktograms, and create his distinctive visual language. Although he works traditional with brush and acryl on plastic, he talks about his paintings as pics or visuals and refers with his picture series in comic style on narrations of comics, pop und trash.

In der Ueberzeugung, dass malereigeschichtliche Entwicklungen nicht hinterschritten werden duerfen, suchen wir nach einer Bildsprache, in der etwa die Dynamik des Barock, das Filmische der Historienmalerei des 19. Jahrhunderts mit Popart und Abstraktion zusammenfinden. Dabei geraten unsere Bilder in Bewegung. Wenn Modernitaet - Baudelaire mit Foucault gelesen -, sich als Haltung definiert, die das ironisch zu erfassen sucht, „was es im gegenwaertigen Moment an Heroischem gibt“, dann beziehen unsere Arbeiten gerade dort, wo sie zerfliessen, Raeume und Figuren sich aufloesen, wo unterschiedliche Zeitablaeufe aufeinander treffen, am deutlichsten Position.
Asgar/Gabriel

Convinced that the development of painting may not be allowed to lag behind its own history, we are looking for a pictorial idiom in which, for example, the dynamics of baroque, the filmic quality of nineteenth-century historical painting converge with pop art and abstraction. This means our pictures are caught up in movement. If – having read Baudelaire with Foucault – modernity defines itself as attitude seeking to register what is ironic, “what there is of the heroic in the present moment”, our works most clearly position themselves in the very place where boundaries become blurred, spaces and figures dissolve, where different time cycles meet.
Asgar/Gabriel

Andy Warhol wurde 1928 als Andrew Warhola in Pittsburgh, Pennsylvania, geboren. 1945 begann er am Carnegie Institute of Technology (heute: Carnegie Mellon University) zu studieren und besuchte einen Lehrgang fuer Bildgestaltung. Nach dem Studienabschluss uebersiedelte Warhol nach New York, wo er laufend Auftraege als Werbegrafiker bekam. Er machte Illustrationen fuer zahlreiche Zeitschriften, schuf Werbematerial und Auslagendekorationen fuer bekannte Kaufhaeuser. In den 1950iger Jahren war Warhol ein erfolgreicher Gebrauchsgrafiker. Er gewann zahlreiche Preise des Art Directors' Club und des American Institute of Graphic Arts. Zu jener Zeit verkuerzte er seinen Namen auf Warhol. Die Sechzigerjahre waren ein besonders produktives Jahrzehnt fuer Warhol. Er griff Bilder aus der Populaerkultur auf und schuf zahlreiche Werke, die zu Ikonen der Kunst des 20. Jahrhunderts geworden sind, wie die Suppenkonserven für Campbell, Disasters und die Serie von Marilyn-Bildern. Andy Warhol starb am 22. Februar 1987. Das Andy Warhol Museum wurde im Mai 1994 in Pittsburgh, Pennsylvania, eroeffnet.

Andy Warhol was born Andrew Warhola in Pittsburgh, Pennsylvania, in 1928. In 1945 he entered the Carnegie Institute of Technology (now Carnegie Mellon University) where he majored in pictorial design. Upon graduation, Warhol moved to New York where he found steady work as a commercial artist. Throughout the 1950s, Warhol enjoyed a successful career as a commercial artist, winning several commendations from the Art Director's Club and the American Institute of Graphic Arts. In these early years, he shortened his name to Warhol. The 1960s was an extremely prolific decade for Warhol. Appropriating images from popular culture, Warhol created many paintings that remain icons of 20th-century art, such as the Campbell's Soup Cans, Disasters and Marilyns. At the start of the 1970s, Warhol began publishing Interview magazine and renewed his focus on painting. Andy Warhol died February 22, 1987.The Andy Warhol Museum opened in Pittsburgh, Pennsylvania, in May 1994.

Vladimir Velickovic meint, dass die Grundelemente der Malerei im Menschen selbst zu finden sind. Das Temperament, der Charakter, die Optik, die Einstellung, das kulturelle Erbe - all dies spielt mit beim Erschaffen eines Werkes und ist Teil dessen. Genau wie die Geschichte - die uns zu dem macht, was wir sind. Die Gewalt im wahren Leben, die brutale Realitaet sind für den Kuenstler Vladimir Velickovic eine Doppelbelastung. Die Konsequenzen von Krieg und Gewalt sind für ihn omnipraesent - furchterregend und bedrueckend. Velickovic gehoert einer Generation an, die mit der Gewalt aufgewachsen ist und in gewissen Massen auch mit dieser kokettiert.

Vladimir Velickovic is of the opinion that the basic elements of painting can be found in people themselves. Temper, character, appearance, attitude, cultural heritage - all of these play a role when creating a work of art, and are part of it. It is just like history, which determines what we are. Violence in true life, brutal reality - these are a dual burden for the artist Vladimir Velickovic. To him, the consequences of war and violence can be found everywhere, they are frightening and oppressive. Velickovic belongs to a generation that grew up with violence and - in a certain way - also toys with it.